قناع المسرح الروماني

قناع المسرح الروماني


قناع المسرح الروماني - التاريخ

أ قناع عبارة عن شيء يتم ارتداؤه عادةً على الوجه ، عادةً لأغراض الحماية أو التنكر أو الأداء أو الترفيه. تم استخدام الأقنعة منذ العصور القديمة للأغراض الاحتفالية والعملية ، وكذلك في الفنون المسرحية والترفيه. عادة ما يتم ارتداؤها على الوجه ، على الرغم من إمكانية وضعها أيضًا للتأثير في مكان آخر على جسم مرتديها.

بشكل عام في تاريخ الفن ، وخاصة النحت ، "القناع" هو المصطلح للوجه بدون جسد والذي لم يتم تصميمه في شكل دائري (مما يجعله "رأسًا") ، ولكنه يظهر على سبيل المثال بنقش منخفض.


قناع المسرح الروماني - التاريخ

الفصل 13: الدراما والمسرح الروماني المبكر


أولا مقدمة: نظرة عامة على الدراما الرومانية

كما تبدأ روما وتنتهي بـ رومولي، لذا فإن الدراما والمسرح يأتيان أيضًا بدائرة كاملة عبر العصور. تقليديا ، هناك ثلاث مراحل رئيسية للتطوير:

1) فترة مبكرة (قبل 240 قبل الميلاد) عندما الدراما الايطالية الاصلية، مثل مهزلة أتيلان ، phlyaces وآيات Fescennine ، سيطرت على المسرح الروماني

2) فترة الدراما الأدبية (240 قبل الميلاد - حوالي 100 قبل الميلاد) ، عندما قام الرومان في المقام الأول بتكييف المسرحيات اليونانية الكلاسيكية وما بعد الكلاسيكية

3) نهضة ترفيه شعبي (حوالي 100 قبل الميلاد - 476 م) ، عندما عادت الأجرة الرومانية التقليدية مثل السيرك والمشاهد والتمثيل الصامت إلى واجهة المشهد الترفيهي.

المرحلة الثالثة هي الأطول بعيدًا ، وتشمل كل التاريخ الروماني من أعلى نقطة له في القرن الأول قبل الميلاد إلى ما يسمى بالحضارة & quot الانحدار والخريف & quot في القرن الخامس الميلادي. يمكن القول إنه يمكن إضافة مرحلة رابعة ، وهي التسلية البيزنطية التي تركزت على سباقات التمثيل الصامت والعربات ، وهي في الأساس امتدادًا للفترة السابقة للترفيه الشعبي. وبالتالي ، من الواضح أن الأذواق الرومانية تنجذب نحو السيرك والرياضة والمسلسلات الكوميدية العريضة مما يجعل تلك الدراما اللاتينية الهيلينية ، والتي ترتكز عليها انتباهنا في المقام الأول اليوم & # 8212 ، تشكل الغالبية العظمى من النصوص الباقية & # 8212 أكثر بقليل من استراحة قصيرة في شكل ترفيه فضلت الغالبية العظمى من الرومان مع مرور الوقت: مشهد.

للوهلة الأولى ، يمثل تاريخ المسرح الروماني مشكلة أساسية: فالدليل على المسرح لا يتطابق مع ذلك بالنسبة للدراما. أي أن غالبية النصوص التي لدينا اليوم مستمدة من المرحلة الثانية (عصر الدراما الأدبية في القرنين الثاني والثالث قبل الميلاد) ، في حين أن جميع المسارح الرومانية الموجودة تعود إلى وقت لاحق بشكل كبير وربما لم يتم إنشاؤها من أجل العروض الدرامية على الإطلاق . مع ذلك ، من الصعب إعادة بناء ديناميكيات المسرح الروماني. في حين أنه يمكن قول الشيء نفسه عن اليونان القديمة ، فمن المؤكد أن المسارح اليونانية ما بعد الكلاسيكية صممت لأداء المسرحيات ، على الأقل إلى حد ما. في روما لا يوجد مثل هذا الضمان.

ينبع هذا التناقض بين الأدلة المادية والأدبية إلى حد كبير من الطبيعة المزدوجة للمسرح الروماني ، وهو بحد ذاته تشعب للسياق الاجتماعي لروما القديمة. كانت الدراما الأدبية موجهة في الغالب إلى الطبقات العليا. كوميديا ​​Plautus ، على الرغم من أنها قد تبدو منخفضة بالنسبة لنا ، كانت موجهة نحو جمهور على استعداد للاستماع إلى الكلمات ومتابعة الحبكة ، بدلاً من مشاهدة الألعاب البهلوانية ، والمشاة على الحبل المشدود والمُصارعون.

تذهب مسرحيات تيرينس إلى أبعد من ذلك وتدعو إلى التأمل الفعلي للحالة الإنسانية ، ما فعلته ، بلا شك ، المآسي الرومانية المكتوبة خلال أواخر الجمهورية ، والتي استند الكثير منها إلى الأساطير والدراما اليونانية. لسوء الحظ ، لم يتم الحفاظ على مسرحية واحدة من هذا النوع سليمة. على العكس من ذلك ، فإن الساحات الكبيرة الموجودة في جميع أنحاء العالم الروماني ، والتي يعد الكولوسيوم هو التذكير الأكثر وضوحًا بها ، تضم الأحداث الرياضية والنظارات. نجا العديد من هؤلاء ، ولكن إذا قدموا أي عروض مسرحية على الإطلاق ، فمن المرجح أن يكون التمثيل الصامت أكثر من نوع من الدراما الكلاسيكية.

وهكذا ، فإن الطبقات المنظمة جيدًا والمنتشرة في المجتمع الروماني & # 8212 مثل هذه الصلابة كانت من بقايا الجمهورية المبكرة وصراعاتها بين الأرستقراطيين والعامة & # 8212 تم تخيل أنواع مختلفة من الترفيه لفئات متميزة من المشاهدين. هذا لا يعني أنه لم يكن هناك تداخل ، فقط أن الفصل بين الأنظمة الاجتماعية الرومانية استند وعزز أنواعًا مختلفة من الأداء. إنه تبسيط مفرط ، ولكنه حقيقة حقيقية للغاية ، مع ذلك ، أن نقول إن الترفيه في روما كان مقسمًا بين & quotreaders & quot و & quotviewers ، & quot ؛ أي نبل متعلم وحشد غير مغسول. على عكس العالم اليوناني ، كانت الدراما الجادة قادرة على التمسك بقلوب وعقول الجمهور الروماني لمدة قرن فقط أو نحو ذلك. وهكذا ، ارتفعت العروض التي ركزت على الكلمة المنطوقة في روما بسرعة من مكانها وعادت بسرعة إلى المشهد الترفيهي الشعبي ، وهو الجانب الوحيد الدائم في تاريخ المسرح الروماني.


ثانيًا. الدراما الإيطالية الأصلية (قبل 240 قبل الميلاد)

هناك بعض الأدلة على أن الرومان قد تعرضوا لأول مرة للترفيه العام ليس من الإغريق الذين استعمروا جنوب إيطاليا ولكن الأتروسكان في الشمال. في القرنين السادس والخامس قبل الميلاد ، انتشرت الثقافة الأترورية في أنواع مختلفة من العروض التي تضمنت ، على وجه الخصوص ، الغناء والرقص والمسابقات الرياضية. للذكاء ، تتميز جدران مقبرة قديمة في إتروريا بلوحات للموسيقيين والأحداث الرياضية والمشاهدين الجالسين على مقاعد خشبية. يبدو من المعقول أن نستنتج ، إذن ، أن الاتصال الوثيق مع هذه الحضارة حفز حب الرومان لنفسها في وقت مبكر من تاريخهم. (ملحوظة) أن مهرجاناتهم اللاحقة غالبًا ما تضمنت وسائل ترفيه مثل السيرك وسباق الخيل والملاكمة والمصارعة يوضح مدى عمق العادات الأترورية المتأصلة في الشخصية الرومانية.

يكمن المزيد من الأدلة على هذا الارتباط في عدة كلمات مستوردة من اللغة الأترورية إلى اللاتينية: التاريخ من إتروسكان ister المعنى & quotperformer & quot & # 8212it يعطينا & quothistrionics & quot & # 8212and شخصية من إتروسكان فيرسو معنى & quotmask ، راقص مقنع ، & quot ، سلف الكلمات الإنجليزية & quotperson & quot و & quotpersonality. & quot. وهكذا ، فإن الاقتراضات مثل التاريخ و شخصية تتلاءم بشكل جيد مع الصورة العامة للهيمنة الثقافية الأترورية في روما المبكرة. في الوقت نفسه ، هناك مصطلحات في اللاتينية تتعلق بالدراما مشتقة من اليونانية أكثر بكثير من اللغة الأترورية ، وهو دليل مقنع على أن التأثير اليوناني اللاحق على المسرح الروماني انتصر على أي شيء اختبره الرومان في تطورهم المبكر. بشكل عام ، من الصعب قياس مدى تأثير الأتروسكان على المسرح الروماني المبكر لأنه حدث بالقرب من فترة ما قبل التاريخ عندما كان الرومان لا يزالون قبيلة صغيرة جدًا وغير مهمة.

لا تقل صعوبة إعادة بناء تطور الدراما الرومانية الأصلية ، خاصة أنه لم يبق أي نص درامي من تلك الفترة. كان الرومان في وقت لاحق خلال فترة الإمبراطورية المبكرة (حوالي القرن الأول الميلادي) فضوليين بقدر اهتمامنا بأصول دراماهم وقاموا بالتحقيق في تاريخ الأداء في روما البدائية ، ومن الواضح أنهم حققوا ربحًا قليلاً أكثر مما نفعل. غالبًا ما تكون نظرياتهم غير مكتملة ومتناقضة ، مما يترك انطباعًا بأنه حتى القرن الأول قبل الميلاد لم يعد هناك دليل واضح ومقنع عن طبيعة المسرح الروماني المبكر.

على سبيل المثال ، يفترض المؤلفون اللاتينيون الكلاسيكيون مثل هوراس وليفي أصل الدراما الرومانية في العروض في المهرجانات الريفية والحصاد وحفلات الزفاف. هذا هو بالضبط ما قد يخمنه أي شخص في حالة عدم وجود بيانات صلبة & # 8212 ، فإن المقارنة مع افتراض أرسطو حول المأساة و dithyramb واضحة & # 8212 ولإثبات ادعاءاتهم ، يذكرون أنواعًا مختلفة من الترفيه الروماني المبكر ، مثل آيات فسينين، في إشارة واضحة إلى فيسينميوم، وهي بلدة في جنوب إتروريا. على الرغم من عدم حفظ آيات Fescennine المبكرة ، فقد قيل لنا إنها تضمنت عروض مرتجلة من قبل مهرجين ريفيين قاموا بنشر مجموعة متنوعة من المقاييس الشعرية المختلفة ، والأفراد السخرية ، واستخدام البذاءات والتحدث بالتناوب.

عندما يتم جمع كل ذلك ، فإن التشابه مع المسرح اليوناني المبكر ، وخاصة الكوميديا ​​القديمة ، يكون شفافًا ومعبرًا ، مما يجعل هذه المعلومات تبدو مشبوهة. يبدو أنه محاولة من قبل الرومان اللاحقين لاختراع نوع من & quot؛ الميلاد & quot لمسرحهم ، وفي غياب دليل حقيقي ، تم وضع سيناريو لظهور هذا الفن في روما المبكرة ، وهو خيال تاريخي يوازي صعود الدراما. في اليونان. علاوة على ذلك ، عندما تدعي مصادر أخرى أن محتوى آيات Fescennine في مرحلة ما قد خرج عن نطاق السيطرة ، كان يجب أن يتحكم فيه القانون ، وهو وضع يشبه إلى حد كبير الانتقال من الكوميديا ​​اليونانية القديمة إلى الوسطى & # 8212 تعليق تذكير بلاتونيوس بأنه لم يكن ممكنًا & quotto السخرية من أي شخص علانية ، فعندما يقاضي أولئك الذين تعرضوا للسخرية الشعراء في المحكمة & quot & # 8212 ، فإن ذلك يزيد فقط من الانطباع بأن كل هذا قد يكون مجرد أسطورة مستعارة من الإغريق لملء فراغ تاريخي.

تم العثور على المزيد من البيانات الملموسة في مصادر أخرى ، وخاصة البيانات الأثرية. كان هناك في إيطاليا في وقت مبكر من الجمهورية (500-250 قبل الميلاد) نوع معين من المحاكاة الساخرة المأساوية المعروفة باسم هيلاروتراغوديا (& مثل مأساة مضحكة & quot) أو يلعب phlyax (& quot ثرثرة-مسرحيات & quot؛ رر. phlyaces) ، أو هكذا تقول بعض المصادر. في الواقع ، تم تسجيل اسم أحد المؤلفين & # 8212راينثون من سيراكيوز (صقلية) & # 8212 جنبًا إلى جنب مع العديد من عناوين اللعب التي ، إذا لم يكن هناك شيء آخر ، تضفي على هذا النوع مصداقية تاريخية أكبر من آيات Fescennine. (ملاحظة)

لهذه phlyaces ربط العلماء سلسلة من المزهريات الموجودة في جنوب إيطاليا والتي تصور مشاهد هزلية من الدراما ، وخاصة هزلية الأسطورية. على الرغم من أن هذا الارتباط لم يمر دون منازع & # 8212 يزعم العلماء الآخرون أن المزهريات الإيطالية الجنوبية تصور إنتاج الكوميديا ​​القديمة ، ولا سيما Aristophanes ، حيث عاش العديد من اليونانيين & # 8212 ، تقدم هذه القطع الأثرية دليلًا واضحًا ومرئيًا على أن نوعًا من الأداء الهزلي كان يلعب لإيطالي ، إذا لا يتحدث اللاتينية ، عامة في القرن الرابع قبل الميلاد. (ملاحظة) لكن & quot؛ الناطقة باللاتينية & quot؛ ضرورية لتشكيل الدراما الرومانية ، لأن اللغة ضرورية للمسرح.

تشير أدلة أخرى إلى أن الأتروسكان استمروا في لعب دور مهم في الحياة الرومانية بعد طردهم الأسطوري من روما عام 510 قبل الميلاد. على سبيل المثال ، في عام 364 قبل الميلاد عندما كانت روما مهددة بالطاعون ، ورد أن الرومان استدعوا الراقصين الأتروريين لإرضاء الآلهة. في وقت لاحق من عام 264 قبل الميلاد و # 8212 ، أي بعد قرن واحد بالضبط مما يلقي بظلال من الشك على موثوقية المواعدة واستورد الرومان المصارعون إلى مدينتهم من إتروريا ، ويبدو أنهم بدأوا علاقة حب طويلة مع فو-نظارات قتالية.

ومع ذلك ، كان وجود وتأثير الأوسكان، شعب عاش جنوب شرق روما. بعد اكتظاظهم بالسكان لسبب ما في 300 قبل الميلاد وانتشارهم في الجنوب الغربي ، اجتاح الأوسكان المستوطنات اليونانية بالقرب من نابولي ، مما جعلهم على اتصال مع روما ، على الطرف الجنوبي من الحدود الرومانية. بعد ذلك بوقت قصير ، قيل إن شكل من أشكال الدراما & quotOscan & quot قد نشأ في روما.

اسم الشيئ مهزلة أتيلان (باللاتيني، أتيلانا [رر. أتيلاني]) بعد بلدة اوسكان أتيلا، هذا النوع من الكوميديا ​​أظهر & quotcrazy & quot الأشخاص الذين عاشوا في Atella ، وهو مكان يُزعم أن الأشياء تحدث فيه إلى الوراء ، على الأقل وفقًا للمعايير الرومانية & # 8212 الكثير من الفكاهة العرقية الحديثة ، مثل & quotPollack jokes ، & quot يعمل على نفس المبدأ & # 8212 بينما لا مهزلة Atellan نجت من العصور القديمة ، فإن القليل من محتواها الذي نفهمه يجعلها رائعة ، خاصة لأنه يبدو أنها تشاركت ميزات مع أنواع أخرى من الكوميديا. على سبيل المثال ، كان لديه مجموعة متكررة من الشخصيات ، مثل تلك الموجودة في الكوميديا ​​اليونانية الجديدة ولكن الرسوم الكاريكاتورية الواسعة من النوع الذي شوهد في الكوميديا ​​القديمة. حتى أننا نعرف بعض أسماء هذه الشخصيات وأنواعها الهزلية. مكوس، على سبيل المثال ، مهرج ، بوكو متفاخر غبي ، دوسينوس شره ، وبابوس رجل عجوز أحمق.

ولكن إذا كانت مهزلة أتيلان تشبه أي شيء في تاريخ المسرح ، فهي ليست شكلاً من أشكال الدراما القديمة كوميديا ​​ديلارتي من العصر الحديث ، نوع من الكوميديا ​​نشأ في أواخر عصر النهضة بإيطاليا وحقق شعبية واسعة في جميع أنحاء أوروبا. على وجه الخصوص ، فإن هياكل الحبكة وطبيعة وسلوك بعض الشخصيات متشابهة بشكل ملحوظ. على سبيل المثال ، التشابه المادي لـ Dossenus من مهزلة Atellan و Pulcinella من كوميديا ​​ديلارتي، سواء مع أنوف كبيرة معقوفة ووضعية منحنية ، فهي ملفتة للنظر بشكل خاص.

من الصعب تخيل كيف نشأ مثل هذا الارتباط بين هذين النوعين ، بعد إزالتهما من بعضهما البعض في الوقت المناسب. هل كان هناك تقليد هزلي روماني لاحق امتد عبر العصور الوسطى بأكملها وحمل هذه الشخصيات الهزلية عبر ما يقرب من ألفي عام مع استمرارية ملحوظة؟ إذا كان الأمر كذلك ، فلماذا لا يوجد دليل واضح على ذلك في السجل التاريخي؟ أم أن أنواعًا معينة من التوصيف الكوميدي والكوميدي تتمتع بجاذبية دائمة في هذا الجزء من العالم بحيث تظهر مرارًا وتكرارًا ، على الرغم من التغيرات في المناخ الثقافي؟ إنها مسألة انتشار مقابل أصل مستقل & # 8212 معضلة أخرى لتقسيم العادم! & # 8212 حيث لا توجد إجابة موثوقة ممكنة في غياب دليل أفضل.

ومع ذلك ، فإن نجاح Atellan Farce في أوائل روما لا جدال فيه. لم يتطلب الأمر أقل من الدراما على الطراز اليوناني ، The fabulae palliatae& # 8212 وهذا يعني ، & quotالباليوم- ارتداء & quot المسرحيات أو الأعمال الدرامية التي ترتدي فيها الشخصيات الزي اليوناني & # 8212 لسرقة مركز الصدارة أتيلاني. (ملحوظة) بعبارة أخرى ، لا يمكن إلا لشيء مقنع مثل التعديلات اللاتينية للكوميديا ​​اليونانية بكل حبكاتها وشخصياتها المعقدة أن يجذب الجمهور الروماني بعيدًا عن مهزلة أتيلان ، وبعد ذلك ولكن لفترة وجيزة عند رؤيتها من منظور التاريخ الأكبر ، fabulae palliatae ساد فقط من 240 قبل الميلاد إلى حوالي 120 قبل الميلاد ، ما يزيد قليلاً عن قرن وهو عمر قصير نسبيًا لنوع مسرحي. قبل وبعد عصر الدراما الأدبية هذا ، فضل الجمهور الروماني الأنواع المحلية من المسرح الهزلي.

بعد سقوط palliatae في العقود الأولى من القرن الأول قبل الميلاد ، برزت مهزلة أتيلان مرة أخرى إلى الصدارة ، لا سيما بين يدي اثنين من المسرحيين البارزين ، نوفيوس و بومبونيوس. هؤلاء المعاصرون لسولا ، الذي قيل أنهم ألفوا أتيلاني نفسه ، كتب & quotliterary & quot ؛ مهزلة أتيلان ، إذا كان مثل هذا الشيء يمكن تخيله. في الوقت الحاضر ، من المستحيل قياس عملهم لأنه لم ينجح أي منها. ومع ذلك ، على الرغم من أن شيئًا مثل مهزلة Atellan عالية الدقة قد يكون من الصعب علينا تصور & # 8212 خاصة عندما تكون هناك ألقاب مثل رقيب مكوس, فتاة مكوس، و الاخوة Macci& # 8212 توضح البيانات أنه كانت هناك ، في الواقع ، مهزلة أتيلان المثقفة. الحفاظ على الاقتباسات من أتيلاني كتب في هذا العصر لا تدع مجالا للشك في ذلك. (ملاحظة)

بعد جيل أو نحو ذلك ، تلاشت مهزلة Atellan مرة أخرى من المصلحة العامة ، فقط لتُعيد إحيائها مرة أخرى في ذروة باكس رومانا. في عهد دوميتيان (81-96 م) وبعد ذلك عهد هادريان (117-138 م) ، أتيلاني ظهر مرة أخرى ، هذه المرة مليء بالمشهد ، حيث كانت معظم أشكال الترفيه في ذلك اليوم. بعد ذلك ، ماتت مهزلة أتيلان إلى الأبد ، ما لم يكن سلفه البعيد كوميديا ​​ديلارتي التي نشأت بعد أكثر من ألف عام.

كان هذا هو المسرح في روما القديمة قبل ظهور الهيلينية واستيراد الدراما اليونانية. يبدو أن الكوميديا ​​العريضة سادت جنبًا إلى جنب مع الموسيقى وحركة المسرح الصاخبة ، ولكن لا يمكن وصف أي من هذه الميزات الأصلية ، أو حتى مميزة ، للثقافة الرومانية. إن انطباعات الحضارات الأخرى - على وجه الخصوص - الأترورية والأوسكان والاستعمارية اليونانية & # 8212 هي بالفعل واضحة للعيان في أذواق الرومان الأوائل في مجال الترفيه. وهكذا ، كانت أبواب روما مفتوحة على مصراعيها للواردات الأخرى ، وكانت أكثرها ديمومة ، إن لم تكن الأطول عمراً ، مهيأة لترك بصماتها ، دراما اليونان الكلاسيكية وما بعد الكلاسيكية.

لم يكن هناك هيكل مسرح دائم في مدينة روما حتى عام 55 قبل الميلاد. قبل ذلك ، كانت العديد من المسارح الخشبية قد شُيدت ثم هبطت لاحقًا في تتابع سريع. هذا يقف في تناقض ملحوظ مع بقية العالم الروماني حيث كان هناك العديد من الساحات الدائمة والمدرجات والملاعب والملاعب المبنية من الحجر والخرسانة ، ولكن لا يوجد داخل مدينة روما نفسها.

كان الرومان المحافظون وذوي العقلية التقليدية في العصر الجمهوري يشككون في التأثير المفسد للمسرح & # 8212 أو هل كان تخديره الجمالي؟ المسرح ، كما اتضح ، كان أحد الأسلحة الرئيسية التي استخدمها أباطرة روما لإرضاء وتهدئة وصرف انتباه الغوغاء وبالتالي الحفاظ على قبضة قوية على الدولة. منذ العصور ، أظهر بيسستراتوس الطريق: يجب على الطغاة السيطرة على الإعلام.

نظرًا لعدم وجود أي دليل على وجود هيكل دائم لإيواء الدراما داخل مدينة روما حتى عام 55 قبل الميلاد ، يواجه المؤرخون مهمة معقدة للغاية في إعادة بناء مسار المسرح الروماني المبكر. والأسوأ من ذلك ، يعود تاريخ معظم نصوص المسرحية إلى أكثر من قرن مضى ، لذا فإن الأدلة المادية والأدبية منفصلة بشدة. في مثل هذه الحالة ، ليس لدينا خيار سوى افتراض أن مباني المسرح الإمبراطوري تشبه أسلافها الجمهوريين. إذا لم يكن الأمر كذلك ، فمن المستحيل أن نؤسس فهمنا لتاريخ المسرح الروماني في الأدلة الأولية.

من المحزن أن نقول ، الحس السليم يملي خلاف ذلك. يجب أن تكون المسارح المؤقتة ، مثل جميع المسارح الجمهورية ، متغيرة في الأسلوب: بنيت ، بلا شك ، للمناسبات الخاصة وفقًا للأذواق المتغيرة ومكان الأداء المحدد ، ثم هدمت بعد ذلك بسهولة. في مثل هذه الحالة ، يبدو التوافق مع أي نمط يمكن التنبؤ به أو محدد ، ناهيك عن التوحيد العام للتصرف ، أمرًا غير محتمل ، ولا يمكن توقع أن تظهر عوامات الاستعراض الحديثة انتظامًا صارمًا في بنائها.

لكن العرض الحديث يطفو فعل يُظهر انتظامًا في بعض النواحي & # 8212 ، فإن توقعات المشاهدين والقيود المادية للشكل الفني تحد من إبداع مصمميهم & # 8212 ولذا فليس من العبث تمامًا محاولة سد الفجوة بين النصوص المحفوظة وبقايا المسارح الرومانية. في الوقت نفسه ، يجب توخي الحذر بشكل خاص بسبب الصعوبات والغموض الكامن في هذا الوضع المحير. يجب رفع جميع الإنذارات اللازمة عندما يتعامل المرء مع التكهنات إلى أعلى مستويات التنبيه.

تشترك معظم المسارح الرومانية الموجودة في بعض الميزات. مثل مساحات التمثيل اليونانية ، فإنهم يميلون إلى امتلاك منزل مسقوف يسمى scaena (الترجمة اللاتينية لـ جلود رر scaenae) في الجزء الخلفي من المسرح. ال scaenae frons (& quote وجه من scaena& quot) ، الجدار الأمامي من scaena كان المبنى ضخمًا في بعض الأحيان & # 8212 في بعض المسارح بارتفاع يصل إلى ثلاثة طوابق! & # 8212 ومسرح واحد على الأقل على قيد الحياة به scaena مع سلالم خلفية للممثلين ليصعدوا إلى المستويات العليا حيث يجب أن يكون هناك شرفة من نوع ما يمكنهم الأداء عليها.

على مستوى الأرض ، رومان scaenae عادة ما تحتوي على ثلاثة أبواب ، وغالبًا ما يكون المركز واحدًا مزخرفًا بشكل رائع ومجهز جيدًا للمداخل الكبرى. كرة القدم و ccedilade للكثيرين scaenae كان متوقفًا ، على الأرجح للسماح بوهم التنصت. المرحلة نفسها ، ودعا المنبر، متضمن صراع (& quotwings & quot) ، ولكل منها مدخل.

وهكذا ، كان للكاتب المسرحي الروماني ما يصل إلى خمس طرق مختلفة لدخول شخصياته إلى المسرح ، مقارنة بالأبواب الثلاثة والأبواب الثلاثة. بارودوي متاح لكتاب المسرح اليونانيين في وقت لاحق. نظرًا لعدم وجود دراما لاتينية معروفة تستدعي العديد من المداخل المختلفة ، فمن المحتمل أن يكون المسرح الجمهوري أقل ، مما لا يوحي بالثقة في ربط النصوص الدرامية المبكرة بالصروح الإمبراطورية اللاحقة. لكن بدون دليل أفضل ليس لدينا خيار آخر سوى الاستمرار في محاولة ربط الأحجار باللاتينية.

بينما كان المسرح الروماني أوركسترا أسفل وأمام المنبر، لم يتم استخدامه بانتظام من قبل فناني الأداء ولكنه كان بمثابة منطقة جلوس لكبار الشخصيات. منذ أن توقفت الجوقة عن أن تكون قوة في المسرح قبل فترة طويلة من فجر الدراما الأدبية في روما & # 8212 هل أصبحت تكلفة الجوقة أخيرًا باهظة؟ الأقل. من الممكن دائمًا استخدام أنواع أخرى من وسائل الترفيه لاستخدام الأوركسترا كمساحة للأداء ، لذلك لا يمكننا أن نقول على وجه اليقين أنها كانت تستخدم دائمًا للجلوس.

باستثناء الشخصيات البارزة الجالسة في الأوركسترا ، جلس المشاهدون في قاعة مستديرة كبيرة تسمى الكهف (& quothollow & quot). وفقًا للعادات الرومانية ، تم فصل المقاعد هناك إلى طبقات اجتماعية ، وأحيانًا بين الجنسين أيضًا. في وقت مبكر ، كانت هذه المقاعد مصنوعة من الخشب & # 8212 فقط لاحقًا أصبحت المقاعد الحجرية موضة & # 8212 كثيرًا بالطريقة التي تطورت بها المسارح اليونانية. ولكن على عكس نظرائهم اليونانيين ، لم تكن المسارح الرومانية بالضرورة مبنية على سفوح التلال ، بل في أماكن عامة مفتوحة ، عادة في مناطق مأهولة بالسكان ، مثل مراكز المدن ، حيث كان عدد كبير من الناس يتمتعون بسهولة الوصول إلى وسائل الترفيه المقدمة هناك.

أصبحت هذه المسارح الحضرية الشاهقة ممكنة من خلال اختراع الرومان وانتشار استخدامها على نطاق واسع الخرسانة مما سمح ببناء هياكل متعددة المستويات مستقلة عن التضاريس المحلية. في الواقع ، يمكن العثور على بعض تطبيقات الرومان الأكثر إبداعًا للقوس والقبو الخرساني في مسارحهم ومدرجاتهم الهائلة ، والتي تجاوزت سعات الجلوس فيها نظيراتها اليونانية. الكولوسيوم ، على سبيل المثال ، في وسط مدينة روما يمكن أن يستوعب أكثر من خمسين ألف متفرج ، أي ثلاثة أضعاف ما استضافه مسرح ديونيسوس في أثينا. لا عجب إذن ، أراد كبار الشخصيات الرومانية الجلوس في الأوركسترا حيث يمكن لشريحة كبيرة من الجمهور مشاهدتهم وهم يشاهدون المسرحية & # 8212 من الصعب تخيل دعاية أفضل & # 8212 لذا من خلال محطته في قلب المدينة الرومانية تطور المسرح إلى سمة منتظمة للحياة المدنية في الإمبراطورية الرومانية. اعتمادًا على المشاعر السياسية للفرد ، كان هذا أو لم يكن شيئًا جيدًا.

بشكل عام ، فإن طبيعة واستخدامات المسرح في العصر السابق ، الجمهورية ، هي موضع نقاش. كيف تم ترتيب مساحات التمثيل ، وكم من الوقت تم استخدامها قبل أن يتم هدمها ومدى تكييفها لإنتاجات معينة هو التاريخ المفقود الذي ربما لن يتم استعادته أبدًا ويترك وراءه العديد من الأسئلة المهمة. هل كانت ، على سبيل المثال ، هياكل واهية أعيد بناؤها مع كل تغيير في اللعب؟ يحذر أحد المؤرخين من أنه & quot ؛ يجب أن نتجنب أي ميل إلى مساواة & # 8216t معاصر & # 8216crude & # 8216 & # 8216 غير متطور. & quot (ملاحظة) صحيح ، ولكن الطبيعة الدقيقة لهذا التطور هي ما يكمن في جوهر المشكلة ، و هذا لغز محير.

ماذا او ما يكون من المؤكد أن المسارح الخارجية غير المبنية من الحجر ستتطلب درجة معينة على الأقل من إعادة البناء ، إن لم يكن لسبب آخر غير البلى والتلف. ولأن المسرح كان أيضًا مشروعًا مزدهرًا في روما خلال هذا العصر ، فمن المرجح أن الهياكل نفسها خضعت لعملية تجديد مستمرة. لذلك ، مع وجود المسرح الجمهوري الروماني على ما يبدو في حالة تغير مستمر ، فإن مراحل تطوره ، حتى الأكبر منها ، تقع خارج متناول أيدينا.

على الرغم من الضبابية ، فإن رؤيتنا لمباني المسرح الروماني المبكرة ليست محجوبة تمامًا. كما هو مطلوب في الأعمال الدرامية التي تم الحفاظ عليها ، فإن المسرح نفسه يلمح إلى بعض السمات التي يجب أن تكون موجودة في المسرح الجمهوري. على سبيل المثال ، هناك عدد قليل نسبيًا من الدعائم اللازمة لإنتاج أي دراما رومانية مبكرة وكل شيء ولكن لا يوجد تطبيق للمشهد على الحبكة ، والذي يناقش الحد الأدنى من المجموعات وديكور المسرح. علاوة على ذلك ، فإن النصوص الدرامية تملي دائمًا متى يتم إدخال الدعائم وإيقافها على خشبة المسرح يجادل بأنه لم يكن هناك ستارة أو ما شابه ذلك حيث يمكن إعداد المسرح أو إخلاءه من أنظار الجمهور. (ملاحظة)

علاوة على ذلك ، عندما بدأ الرومان في تكييف الدراما اليونانية ، حملوا معها بطبيعة الحال تلك السمات الخاصة بالمسرح اليوناني ، ولا سيما الممارسات ما بعد الكلاسيكية أو الهلنستية. على سبيل المثال ، كما هو الحال في كوميديا ​​ميناندرين ، غالبًا ما تصور المؤلفان المسرحيان الهزليان الرومانيان بلوتوس وتيرينس المسرح على أنه يصور شوارع المدينة والمداخل كأبواب للمنازل الخاصة أو الأضرحة العامة. تمثل مخارج الجناح في كثير من الأحيان الطريق إلى المدينة والميناء ، أو إلى السوق والبلد ، مع بعض الاختلافات الملحوظة المطلوبة في مسرحيات معينة.

على الرغم من أنه من غير الواضح مدى واقعية هذه الصور التي كان من المفترض أن يتم تصورها من حيث المناظر الطبيعية والقطع الثابتة ، إلا أنه من الجدير بالذكر أن المسرحيات نفسها غالبًا ما تعرض بعناية في لغتها جميع السمات غير العادية للمناظر الطبيعية. هذا يجادل بأن المشهد كان ليس ممثلة على خشبة المسرح ، بدلاً من أن الجمهور اعتمد على الكلمة المنطوقة لتخيل المكان. على نفس النوع من الحد الأدنى إلى حد كبير والاعتماد على قوة اللغة بنفس الطريقة ، أنتج شكسبير مسرحياته ، بشكل كبير.

لكن يبدو أن إحدى سمات المرحلة الرومانية المبكرة كانت مرئية وملموسة بالفعل ، والأهم من ذلك أنها كانت تاريخية. تستخدم الشخصيات في الكوميديا ​​الرومانية أحيانًا & # 8212 وأحيانًا إساءة استخدام & # 8212an مذبح أثناء المسرحية. في نهاية بلوتوس موستيلاريا (& quot The Haunted House & quot) ، على سبيل المثال ، يهرب العبد الوغد ترانيو إلى مذبح كملاذ من سيده الغاضب ثيوبروبيديس الذي يهدد بضربه. هناك ، يعمل المذبح كنوع من اللجوء ينقذ العبد من العقاب ، وبالنظر إلى المشاعر العالية للمشهد ، يجب أن نفترض أنه كان هيكلًا حقيقيًا وليس وهميًا على المسرح.

أدلة أخرى تدعم هذا الافتراض. إن تقديم معظم الكوميديا ​​الرومانية في سياق جنازة أو احتفال ديني من نوع ما يدل على وجود مذبح حقيقي في الضواحي العامة. كيف شعر الكهنوت الروماني بشأن استخدام المذبح لأغراض كوميدية هو سؤال آخر مثير للتفكير ولكنه لا يمكن الإجابة عليه عن المسرح في هذا العصر.

ج- المنتجون والمخرجون والممثلون

مع القليل من الأدلة على التصميم الواقعي للمجموعة أو الدعائم الوافرة ، يبدو أن نصوص الكوميديا ​​الرومانية تشير إلى أن هناك القليل من النفقات المتكبدة في الإنتاج المسرحي الجمهوري. لكن كل الأدلة الأخرى تتحدث عن عكس ذلك. في وقت مبكر من عام 186 قبل الميلاد ، فرض مجلس الشيوخ الروماني تدابير على المنتجين للحد من إنفاقهم على ودي (& quotgames، plays & quot) ، حيث من الممكن دائمًا أن أعضاء مجلس الشيوخ لم يقصدوا أنواع الكوميديا ​​الرومانية المحفوظة اليوم ولكن نوعًا آخر من الترفيه. مع ذلك، ودي يجب أن يشير إلى شيء معروض على المسرح و fabulae palliatae لا يمكن استبعاده.

علاوة على ذلك ، كانت العروض باهظة الثمن وسيلة للسياسي الروماني الطموح لكسب الناخبين الفقراء وبالتالي الحصول على مناصب رفيعة. وقد أدى هذا بدوره إلى ابتزاز المسؤولين المنتخبين للمقاطعات في محاولة لدفع الديون المتكبدة من تصعيد الألعاب الباهظة التي سبق أن أغدقوها على الجمهور. وبالتالي ، فإن تشريع مجلس الشيوخ الذي يحاول الحد من النفقات المتعلقة بالمسرح قد لا يكون محاولة لكبح جماح المسرح نفسه ولكن لمواجهة عواقب مثل هذا الإسراف. لا يوجد دليل على أنها حققت هذا الهدف ، باستثناء أي دليل.

لمجموعة من الأسباب المختلفة ، جف الجشع الروماني العديد من المقاطعات على مدار الجمهورية المتأخرة. تشير البيانات التاريخية إلى أن الإنتاج المسرحي ، بعيدًا عن كبحه ، استمر في التصعيد من حيث التكلفة والعظمة. في عام 99 قبل الميلاد ، على سبيل المثال ، قدم كلوديوس بولشر عرضًا لا يُنسى scaenae frons التي تم رسمها بشكل متقن.

مرة أخرى ، في مظلات 70 قبل الميلاد (فيلا) فوق الكهف لمسرح روماني لحماية المشاهدين من العناصر. أنتج ماركوس أميليوس سكوروس ثلاثة مستويات scaenae frons في عام 58 قبل الميلاد مصنوع من الرخام والزجاج والخشب المذهب. بعد ذلك بوقت قصير ، بنى Gaius Curio مسارح نصف كروية متتالية يمكن تدويرها لتشكيل مدرج. من الواضح أن الزيادة كانت جوهرية في المسرح الروماني.

لكن البراعة والقدرة على التكيف كانت أيضًا من السمات المميزة للمسرحيات الإيطالية. لسوء الحظ ، ما يلعب ، أو حتى ماذا أنواع من المسرحيات ، تم تأديتها في هذه الأعاجيب المعمارية والهندسية & # 8212 إذا تم إنشاؤها للدراما على الإطلاق & # 8212is غير معروف ، إلا أن جاذبية الرومان في هذه المسارح كانت & quot ؛ تأثيراتهم الخاصة ، & quot ؛ ليست قدرتهم على تحقيق التفكير المثير للفكر النصي. هذا على الأقل واضح ، كما يلاحظ أحد العلماء المعاصرين:

ارتبط النشاط المسرحي ارتباطًا وثيقًا بثلاثة جوانب متشابكة من الحياة الرومانية: عبادة الآلهة ، وتكريم الموتى ، وتمجيد الذات الفردي ، أو ، بعبارة أخرى ، بالطقوس الدينية ، تأبين الأسرة والفوز بالأصوات. تميل جميع الجوانب الثلاثة إلى تحفيز وتشجيع العرض الباهظ والإنفاق المفرط ، وما هي الأدلة التي لدينا تشير إلى أن مثل هذا العرض والإنفاق كانا سمات منتظمة للعروض المسرحية من فترة مبكرة جدًا. (ملاحظة)

سيكون من المنطقي ، إذن ، أن التمثيل في روما كان مجالًا للمهنيين ، منذ البداية تقريبًا. في حين أن هناك بعض الأدلة على أن الهواة أدوا أداءً في مهرجانات أتيلان المبكرة ، إلا أن أداء المسرحيات في روما تُرك إلى حد كبير للمتخصصين ، وكان بعضهم على الأقل عبيدًا. غالبًا ما يسافر هؤلاء المسيرون بعقود طويلة في فرقة تسمى أ grex (حرفيا ، حصص قطيع ، & quot أي من الضأن) ، مع قائد كان يسمى أ دومينوس (& quotmaster & quot). يُظهر اختيار الكلمات بوضوح ازدراء الرومان العام لفناني الأداء ، كما يتضح من الإهانة التي ألقيت على مارك أنتوني بأن أصدقائه كانوا ممثلين. ومع ذلك ، كان بعض النجوم الرومان في المسرح معروفين على نطاق واسع ويحظون بالاحترام ، وبعضهم ينتمون إلى الطبقة الوسطى.

هناك عدة أسئلة مهمة تحيط بالممثلين وطبيعة الأداء في روما. الأول هو ما إذا كانوا يرتدون أقنعة على خشبة المسرح أم لا. بينما لا يوجد دليل مباشر على استخدامها في الكوميديا ​​الرومانية ، هناك بعض الأدلة على عكس ذلك. فقرة من تيرينس فورميو، حيث يتم وصف تعبيرات وجه الشخصية على أنها متغيرة ، يبدو أنها تقدم حالة مقنعة لغياب الأقنعة ، حتى يدرك المرء ، بالطبع ، أن الوصف قد يكون عبارة عن هفوة ميتاثياتريكية معقدة تلعب على عجز من الفاعل لتغيير تعبيرات وجهه.

ومع ذلك ، فإن السؤال الحقيقي لا يتمحور حول استخدام الأقنعة ولكن تطبيقها على المسرح الروماني. في الكوميديا ​​اليونانية ، تعتبر هذه العناصر أساسية في تغيير الأدوار لأنها تسمح لفناني الأداء ، وفقًا لقاعدة الممثلين الثلاثة ، بلعب شخصيات متعددة في دراما واحدة. ولكن من الواضح أنه لا يوجد مثل هذا التقييد في الكوميديا ​​الرومانية حيث يوجد ما يصل إلى ستة شخصيات تتحدث & # 8212 على الرغم من ذلك الذي - التي الكثير منها نادر جدًا & # 8212 يظهر على خشبة المسرح مرة واحدة. (ملاحظة) ومع ذلك ، إذا كانت الجهات الفاعلة الرومانية في palliatae لعبت أدوارًا متعددة ، كما تقول لصالح نشر الأقنعة التي من شأنها تعزيز الوهم الدرامي بشكل كبير.

بالتأكيد ، لا يوجد شيء في الكوميديا ​​نفسها يمنع استخدامها تمامًا. Masks are, furthermore, useful in helping men play women's roles—just as on the Greek stage, there were no female performers in Roman Comedy—and aid also in distinguishing character-types for the sizeable crowds playwrights like Plautus are said to have drawn. Given all this and the tradition of mask-wearing in Atellan farce, logic dictates that the Roman stage did indeed call for masks in performance, though admittedly the evidence is far from conclusive.

D. Conclusion: A Roman Theatre (at last!)

The turning point in Roman theatre construction came in the last days of the Republic, when the first permanent theatre was finally built in the city of Rome. None other than Pompey himself instigated and oversaw its construction, in the days of his greatest glory after he had triumphed more than once. For a man who had spent many years outside Rome, the absence of an impressive, permanent theatre in his home town, the imminent capital of the ancient world, must have seemed appalling.

So, while Caesar was off conquering Gaul, an unwitting Senate approved plans for what was later called the Theatre of Pompey but looked at first to them like a temple dedicated to Venus, the Roman goddess of love. When conservative senators and Pompey's political adversaries realized, too late, that there was a theatre attached to the temple—what had appeared to be steps leading up to the temple turned out, in fact, to be the seats of a theatre!—their protests were too late and under the guise of a temple a stone theatre arose at last in downtown Rome.

A generation later, Rome housed two more, as a great age of theatre construction all over the Mediterranean world dawned. The next three centuries, the first of the modern age, witnessed in more ways than one the erection of many commanding Roman theatres. It is these we see and tread today amidst the ruins of the grandeur that once was Rome.

Terms, Places, People and Things to Know
Native Italian Drama
Literary Drama
Popular Entertainment
Histrio
Persona
Fescennine Verses
Fescennium
Hilarotragodia/Phlyax Plays (Phlyaces)
Rhinthon of Syracuse
Oscans
Atella
Atellan Farce (Atellenae)
Maccus
Commedia dell'Arte
Fabulae Palliatae
Novius
Pomponius
Scaena
Scaenae Frons
Pulpitum
Versurae
Orchestra
Cavea
Concrete
Altar
Grex
Dominus
Theatre of Pompey

/>
This work is licensed under a Creative Commons Attribution-No Derivative Works 3.0 United States License.


Halloween Masks

The tradition of Halloween masks and Halloween costumes finds its origins in Celtic culture. Disguises were used to confuse the ghosts that came out on Samhain, a festival at the end of the harvest season. Frightening masks were often used because these were believed to scare away malicious spirits.

Bethney Foster is social justice coordinator for Mercy Junction ministry, where she edits the monthly publication "Holy Heretic." She is also an adoption coordinator with a pet rescue agency. Foster spent nearly two decades as a newspaper reporter/editor. She graduated from Campbellsville University, receiving a Bachelor of Arts in English, journalism and political science.


Why Wear a Mask? Creating a Focal Point.

Have you ever seen an inanimate object that looked like it had a face? Or one of those new AI robots that move and talk so convincingly that you do a double take when you realize they’re not humans?

This uncanny feeling was utilized in the design of Grecian masks to get the audience to focus on the actors and to encourage the spectators to project their own perceptions of what emotion the actor was portraying onto their mask.

According to Peter Meineck, “the tragic mask mediated a bimodal ocular experience that oscillated between foveal (focused) and peripheral vision, and in the eyes of spectators seemed to possess the ability to change emotions, and that these qualities of the mask were fundamental to the performance of the tragedy and the development of narrative drama” [2].

Basically, the generic expression on the mask allows it to be seen by the spectators as many different expressions / emotions.

**It’s worth noting that actors playing multiple parts would change masks.

Though these masks made it impossible for the actor to convey facial emotions in a natural, everyday-life way, to Meineck it is clear that the ancients crafted masks with their vaguely-yelling-yet neutral faces to encourage emotional responses and empathy from their audience. (Who knows…they probably could have animated the masks in some way if they really wanted to).

If they did animate a mask, it would probably not be as cool as the Scar mask from the Lion King, على أية حال. [5]

Without animatronics or incredibly elaborate sets/costumes (a la modern-day performances), actors had to draw attention to the play somehow. After all, an outdoor performing environment is overwhelmingly overstimulating compared to the manicured modern proscenium arch stage.

I think Meineck is spot on when he states that masks were “the focal point of the entire visual experience of watching theatre.”

Masks were the critical tool to encourage the audience to focus in on the show.

“On the southeast slope of the Acropolis with its panoramic views of the city, countryside, and sea…dramatists became highly skilled in manipulating the interplay between peripheral and foveal vision, offering a multilayered visual experience” [2].

Think about the last time you saw somebody in a mask. It immediately draws your attention, right? On Halloween, I can’t stop staring at spooky mask-wearers. The same uncanny manipulation of focus applies to masks worn during performance–especially those that are crafted with illusion and transformation in their design.


Masks in History

Drawing of a mask from the extinct Calusa people, who once inhabited what is now southern Florida, United States.

Cultural masks are known to have been worn long before human beings developed written language. Many types of masquerade used by preliterate societies have disappeared from history, frequently along with the societies themselves. In many cases, only archaeological fragments, drawings, or photographs remain to tell us what the masks looked like and give a sense of how the societies used them. The disappearance of many ancient masking traditions was assured by the European campaigns of conquest and exploitation in many parts of the New World during the Age of Discovery. Tribal peoples were ruthlessly culled by disease, brutal slavery, and sometimes genocidal campaigns.

The Selk’nam, for example, inhabited Patagonia and the Tierra del Fuego region. European settlers invaded their territory in the 19th century and began extensive sheep ranching on Selk’nam hunting grounds. With much of their traditional game gone, the Selk’nam, who lacked any concept of private property, turned to hunting the sheep, which seemed like substitute game to them. Ranchers retaliated by hiring mercenaries to exterminate local tribes. Despite the efforts of missionaries, the Selk’nam quickly disappeared under the onslaught. By 1974, not a single full-blooded Selk’nam was left on the Earth. Their unique culture died with them. (For more on the Selk’nam’s lost masking traditions, see Anne Chapman, Hain: Initiation Ceremony of the Selknam of Tierra del Fuego (Ushuaia, Argentina: Zagier & Urruty, 2008)).

This Neolithic stone mask, discovered in Palestine in 2018, dates back to 7000 BCE. It was intended to be worn in unknown rituals and resembles others found in the same region.

A mask cut from a seashell, excavated in Dongsam-dong, Busan, Korea, and dating to around 4000 BCE.

One of the few surviving photos of the Selk’nam people of southern Argentina. Little is known about their masking traditions.

Colonialism was not the only source of decline for early masking traditions. In many cases, the ebb and flow of civilizations has resulted in the extinction of societies that existed as independent political entities. Their cultural traditions have disappeared with them. It is likely, for example, that the peoples of East-Central Asia had developed diverse masking traditions before becoming engulfed in the great Mongol Empire under the leadership of Genghis Khan in the 12th century.

Muslim woman wearing a decorative bandula in Bandar Abbas, Iran.

The great Abbasid Arab expansion in the eighth through thirteenth centuries, and Ottoman Turk Empire of the fourteenth until 1924, tended to spread Islam across the Middle East, Central Asia, and North Africa. Late medieval Islamic warriors sometimes wore protective masks that included elaborate decoration. However, Islamic doctrine has generally been interpreted to prohibit figural art representing human beings or animals. The result is that folk masking traditions have largely been stamped out, especially those in which the mask represents gods or spirits. The main exception has been the niqab أو burqa worn by Arab women to cover their faces, which is sometimes modestly decorative, as some batula attest. However, properly speaking, the niqab و burqa are not masks but veils as their purpose is the systematic subordination of women rather than use in cultural rituals.

More recently, the Cultural Revolution in China (1966-76) attempted to eliminate the cultural traditions of Chinese peoples in the service of national unity under a strictly pragmatic Communist ideology. Classic artifacts such as masks used in Nuo cultural drama were destroyed as “counterrevolutionary,” and performances were met with draconian punishments. The Soviet Union also demonized Slavic cultural masking traditions on the same basis from the era of Stalin until its dissolution in 1990.

Even when the cultural identity of the society survives intact, intercultural contact has sometimes had a deleterious effect on masking traditions. The Polynesian warriors of Hawaii, for example, were known to wear protective and decorative war masks made of gourds and plant fibers, but these were abandoned after widespread conversion of the islanders to Christianity. Christianity discouraged many cultural traditions, and the adoption of firearms and steel weapons rendered the old protections ineffective in any case.

Drawing of Hawaiian warriors wearing traditional gourd masks on first contact with European voyagers.

Fortunately, some tribal masking traditions have survived contact with more technologically advanced invaders. The Hopi, Zuñi, Diné (Navajo) and Apache nations of the American southwest, for example, have all preserved their traditions in the face of overwhelming pressures to conform to the customs of colonizers. Unfortunately, the Museum is unable to educate the public about some of these traditions, as tribal leaders have forbidden images of masked dancers, who are considered sacred when they don the uniform and mask. Tribal masquerading traditions continue in Africa, Central Asia, and the Melanesian islands of the South Pacific as well, relatively little discouraged by colonization or religion indoctrination.

Persian war mask from the Safavid Dynasty, 16th to 18th centuries.

Edward Curtis took the only known photos of Diné Yeibichei dancers in the first few decades of the twentieth century. If not for his work, there would be no way of knowing how the early dancers looked.

Masks in the ancient world.

Mask of ancient Roman theater. From Francesco Ficoroni, Le Maschere sceniche e le figure comiche d’antichi Romani (1736).

The ancient Greeks and Romans used masks primarily for dramatic performances and entertainment. The early Greek and Roman masks exaggerated the features of the actors so that large audiences could see them clearly, and frequently the mouth had a cone-like shape, like a megaphone, to project the actor’s voice to the upper reaches of the amphitheater. It is thought that some masks even had brass lining in the mouth to further channel and project the voice.

Many Greek and Roman tragedies have miraculously survived the ages, so that they can be read today in substantially the form that ancient actors would have seen them. They notably lack stage directions and costume notes, but we know from first-hand third-party descriptions, engravings, cameos, sculptures, bas-reliefs, and other depictions that actors frequently wore masks. It is likely that the earliest masks were crudely made of tree bark, but as mask-making skills increased, they were made of shaped leather with a cloth backing. They would have fitted tightly over the face, except the megaphonic mouth portion, and probably attached with leather straps. The inability of the actors to communicate with facial expression had to be compensated by bodily gestures and tone of vocal inflection.

Bas relief from the Farnese Palace depicting ancient Roman masked tragedians.

It is also known that, some time during the Roman Empire, scripted tragedies and comedies of the Greek kind began to be supplemented by improvisational pieces, which rapidly became popular with aristocrats because of their ability to deliver topical commentary on the issues of the day, and to make reference to recent political events. Naturally, this also made the actors the target of potential censorship and repression. The masks may have hid their faces, but their identities were well known.

Ancient Asia also seems to have developed masking traditions, initially for religious and ceremonial purposes, but evolving into entertainment. In ancient Japan, Shinto monks created elaborate masked dance rituals known as kagura, a form of ritualized prayer with elements of dance and music. With the influence of Buddhism, monks in the early medieval era adapted kagura into new forms of dance dramas, gigaku و bugaku, which unfortunately did not wholly survive intact the trials of time. They did, however, form the basis of modern Noh theatre. In China, early masked rituals were used to drive away evil and disease and pray for blessings from the gods. These, too, morphed into masked theater, known as Nuo, that influenced Japanese theater styles, as the close similarity of the names suggests.

Drawings of reliefs from ancient Rome in Ficoroni.

Masks in the Medieval and Renaissance Eras.

In medieval Europe and Asia, masquerade continued to play an important role as entertainment and in promoting cultural solidarity. Chinese and Japanese medieval dramatic masked plays, frequently accompanied by music, developed from their early origins in religious rituals invoking the blessings of the gods into the modern Nuo (China) and Noh (Japan) drama, which has not greatly changed in hundreds of years.

Italian Carnival masks representing Jews with distorted, stereotyped noses. From a 1642 book by Francesco Bertelli, Il carnavale italiano mascherato.

In Europe, although some ancient masking traditions continued, they were transformed by the spread of Christianity. Catholic veneers frequently covered over ancient, pre-Christian pagan masked rituals, with the timing of the rituals adjusted to coincide with major Christian holidays or, when the fit was poor, a holiday in honor of a saint was conveniently made to coincide with the ancient rite. Carnival was one such tradition, and it is well known that Carnival masks of various kinds were worn during the medieval ages. Masks might represent old women, doctors, young lovers, nobles, beggars, foreigners, or characters from the theater entertainment known as Commedia dell’Arte.

Commedia was the successor to Roman theater, masked like its predecessor but having little else in common. Like Roman masks, the Renaissance masks were made of leather lined with cloth, although due to the superiority of later craftsmen, the leather was no doubt thinner and the cloth linen. ال Commedia plays were only very loosely scripted, with most of the dialogue invented improvisationally by the actors. It was invented in Italy in the 17th century, but it rapidly became popular throughout Europe, as Italian troupes visited major cities to the north and west, and local imitators and adapters sprouted in France, Germany, and elsewhere to perform the plays in the native language. For some three hundred years, the Commedia reigned as a major form of entertainment in Europe.

An engraving by Maggiotto (Domenico Fedeli, 1713-1794) depicting a Commedia performance with Columbine holding her half-mask, Harlequin, and a Venetian in a “bauta” mask.

Although not every character in the Commedia used a mask, most of the stock male characters did. The masks ensured that the characters—Pulcinella, Il Capitano, Brighella, Arlecchino, Pantaloon, etc.—would be instantly recognizable to the audience, regardless of what actor wore them. Women, in contrast, either went bare-faced or wore a velvet half-mask, as Renaissance women frequently did in real life, to protect their faces from the sun.

From the Recueil Fossard, a scene depicting the clowns Arlecchino and Zanni Corneto, with the miser Pantalone.

بسبب ال Commedia was improvisational, like some later Roman theater, it lent itself to political commentary. In attempting to appeal to the masses, it also tended toward the bawdy. This led European religious authorities to attempt to ban it in many places at many times, but never with lasting success. ال Commedia‘s ultimate demise came from changing tastes rather than religious zealotry. But the masked characters survive in Venetian Carnival, where they remain popular even today.

The comic actor Giovanni Gabrielli (“Sivello”) holding a mask. Etching by Agostino Carracci, ca. 1599.

The Commedia character Harlequin, depicted by Claude Gillot (1673-1722).

Pulcinella mask, ca. 1700, made of leather moulded over a wooden form and used by an Italian Commedia dell’Arte troupe. Courtesy of the Victoria & Albert Museum, London.


Stock characters were very important in Roman comedy. A stock character is one that the audience will be familiar with and that is used in many plays. They were greatly used by Plautus. Stock characters could sometimes even be recognized by their speech. The costumes they wore varied with the type of show but were used to identify the type of character. Over time these outfits became more realistic. The standard costume base was a tunic and cloak. At first masks were common because actors would play multiple characters and the masks made them easier to distinguish. Over time the comedic masks became grotesquely exaggerated.

ال adulescens was the hero, who is young, rich, love-struck and none too brave. He tends to bemoan his fate and requires backup. Another character often has to take action on his behalf. His father is often the senex, whom he fears, but does not respect. He wears a dark wig and his clothes are usually crimson.

ال senex (old man) has several incarnations. As the father he is either too strict or too soft either one he does out of love for his son. As the lover he embarrasses his son, his slave, and his wife. He tends to be passionately in love with the same woman as his son, who is much too young for the senex. He never gets the girl and is often dragged off by his irate wife. Sometimes he is a friend of the family who helps the adulescens. He is often a miser, who wears a straight undergarment with long doubled sleeves. It is white and he sometimes carries a staff.

ال leno runs the brothel. The love interest of the adulescens may be owned by the leno and work at his brothel so the adulescens is often forced to deal with him. He is unabashedly amoral and is only interested in money. He dresses in a tunic and mantel and is often bald with a moneybag.

ال miles gloriosus, literally braggart soldier, is a character that is especially familiar today. He loves himself more than anything else and sees himself as handsome and brave, while in reality he is very stupid, cowardly, and gullible. He may be interested in the same girl as the adulescens'. He wears a tunic with long sleeves and has curly hair.

ال parasitus or parasite lives only for himself. He is often seen begging meals or being refused them. He lies for his own gain. He dresses in a long, black or gray garment with long, doubled sleeves.

ال servi (slaves) take up about half of the cast and often have the most monologues. They are not the toilers typical of a real Roman home. ال servus callidus or clever slave is always talkative, but his other traits vary. Most of the time he is loyal, more so to the adulescens than the senex. He brings tricks and comedy and tends to drive the plot. He is often the one who finds the truth out at the end of the play. He could be identified by his tendency to use alliteration and meter in his speech. ال servi wear tunics and hold or carry scarves.

ال ancilla is a maid or nurse of no particular age. She is a minor character used to move the plot by presenting information or helping to develop another character. She is a tool of her mistress and may be used as a messenger.

ال matrona (mother), mulier (woman), or uxor (wife) is shrewd. She loves her children, but is temperamental towards her husband. She does not have to be a devoted wife, but sometimes is. She wears a long garment with flowing sleeves and a mantel.

ال meretrix (prostitute) is either a mercenary or devoted. The first type is older or more experienced and has seen a lot. The second type is truly in love with the adulescens. Both are very attractive with a complex hairdo and outfit, which is yellow. She also has a mantel.

ال virgo (young maiden) is the love interest of the adulescens, but does not get much stage time. She is beautiful and virtuous with little personality. She is treated as a prize.


Theater Masks - Different Types of Theatrical Masks

Since the dawn of theater, many cultures from around the world elected to represent actors as other persons of beings, enabling performances that were much more striking and effective. Theater traditions in both West and the Asia adopted masks as one of the most important tools that could be used on stage, often creating plays that were fully acted by masked actors. Most notable example of this approach was born in ancient Greece, specifically the state-city of Athens where culture, poetry, and art were valued as an important foundation of daily lives. Stage drama received special care, enabling quick popularization of three main types of plays– tragedy, comedy, and satyr play (comedic satire).

The earliest example of masks was used for various religious ceremonies such as rituals, celebrations, festivals, rites of passages, recreations of folk stories, pageants, and many other ceremonies of ancient origins. Some of the older masks used in religious healing date up to 3500 years ago in Ancient China. Traditions of those events translated well into the creation of organized use of masks in China around 13th century AD. Murals and paintings from that time described the use of various masks during ceremonies performed by sorcerers, exorcism masks and theater performances that were at first performed only to royalty and nobility.

Modern stage theater appeared in Europe in the 5th century BC in Ancient Greece. All theater masks from that early period of history were lost to time because they were not created to be durable, and were often offered to the fire as offering to the gods at the end of the celebration. Much later, Athenian actors used now famous happy masks of Comedy and sad masks of Tragedy to celebrate gods (especially during a festival called Dionysia, which honored the Greek god Dionysus, god of fertility, harvest, wine-making, religious ecstasy, myth, and theater) created from more durable materials. They exported their craft to all colonies of Athens, popularizing theater and mask-use across central Europe where new users used masks for many other purposes. For example, marks were very popular in neighboring civilization of Ancient Rome, where masks of many kinds were used not only in theater but also in religious ceremonies such as funerals where professional actors wearing masks would recreate deeds from the life of the deceased and his ancestors.

In Asia, modern traditions of famous Japanese Noh theater formed in the 14th century by famous author and musician Kan'ami and his son Zeami. In this heavily codified and regulated art form that is still performed today, single theater play consists of five musical drama segments with shorter comedic plays being played in between of them. Masks that are here used for roles vary widely, reaching a number of over 450 different models. The most popular ones are those of women, children, ghosts (both good and bad ones) and old people, covering all genres, ages, and emotions.

Many centuries after the fall of Ancient Greece and Rome, the tradition of mask use in theater and public ceremonies endured in continental Europe. Renaissance saw the resurgence of mask use not only by the nobility and royalty at balls and nightly gatherings but also at professionally performed masques, ballet de cour (events that eventually morphed into a form of modern ballet) and even comedic performances of Commedia dell'arte that is precursor to the modern “clown” character. Regular theater production from medieval, renaissance and Victorian ages all used masks to some extent, especially in plays that featured puppetry and other forms of tools that elevated visual storytelling. In late 19th and 20th century, avant-garde art movement gave new life to theater masks culture via several distinct art movements that became very influential in Europe and America (traditional avant-garde art, Naturalism, Oriental Theatre, modern dance, modern mime and others).

The rise of the cinema film also enabled masks to be used in an entirely different art form where they were used to portray many types of otherworldly characters, persons who wanted to become symbols, changes of persona and horror beings. Some of the most famous movies that centered on masked characters are Les Vampires, Donnie Darko, The Mask, The Phantom of the Opera, The Man in the Iron Mask, Vanilla Sky, V for Vendetta, Eyes without a face, Scream, Friday the 13th, Halloween and Star Wars.


How to Make a Roman Theatre Mask

In ancient Rome, theatre was a big part of the entertainment. During these plays the Romans always wore masks. The masks were often larger than life, but this helped the audience see the faces from far away. Different masks included different facial expressions. Even though men played all the parts, the masks allowed the audience to determine if the character was a woman by wearing a white mask or a man by wearing a brown mask. You too can make your own masks reminiscent of Rome whether you want to use them in an actual play or as decorations.

  • In ancient Rome, theatre was a big part of the entertainment.
  • Even though men played all the parts, the masks allowed the audience to determine if the character was a woman by wearing a white mask or a man by wearing a brown mask.

Start with the basic mask and decide if you want to make a man or a woman mask. Paint the entire face of the mask brown if you want a man or leave the white base if you want to make a woman character.

Paint your facial expressions on the masks. Make the typical happy, sad and angry faces, which were popular among Roman Thespians. Paint the expressions on the masks in different layers if necessary.

Allow each layer of paint to dry before adding the next layer so that the different colours of paint do not mix. Use plenty of bright colours of paint as this is more typical of Roman theatre masks.

Decorate the masks using feathers and faux hair. Attach these to the masks by using a hot glue gun. Arrange the decorations on the mask first to make sure you have the correct placement and that you will like the finished look.

Allow the glue to dry completely before moving the mask. Make sure to remove any strings left from the hot glue.

Poke one hole in either side of the mask where you can attach the elastic string. Use the awl to gently make the holes.

  • Allow the glue to dry completely before moving the mask.
  • Use the awl to gently make the holes.

Measure all the way around your head and take half of the measurement to get the necessary size to cut the elastic string.

Insert the ends of the elastic string into each hole. Tie off the ends to keep them from slipping out.

Do this as an activity with your kids as a great rainy day activity. They can make a variety of masks and then put on a play for family and friends. If you are having trouble getting the holes in the mask, place the side of the mask on a cutting board so you do not damage your work surface and then attempt to make another hole.


Roman Theatre Mask - History

  • What is Performer stuff?
  • Credit
  • Purchase Credit
  • Redeem Credit
  • يسجل
  • Login
  • <> &emsp
  • << creditamount | currency>>&emsp
  • Purchase Credit
  • Redeem Credit
  • Shopping Cart << cartitemcount >>
  • What is Performer stuff?

يسجل

Already a User? Login Here.

Purchase Credit

Step 1: Select the amount you would like to purchase:

Recipient

Step 2: Send a customized personal message

Purchase Credit

Step 3: Enter Your Billing Data

Purchase Success!

User Login

Enter your email address and password.

Password Reset

We've sent you an email to reset your password, thank you!

Registration Update

Performer Stuff has updated their registration process. Please provide the missing data. شكرا لك!

You are now subscribed to our More Good Stuff maling list.

7 Greek and Roman Playwrights You Should Know

Written by Ashleigh Gardner

Our modern drama and comedy comes from thousands of years ago when people wore togas and books were a thing of the future. Remember Thespis? He was one of those toga-wearing, play-loving guys who stepped out of the chorus to become the first actor — the reason you’re called a thespian today. With our list of Greek and Roman playwrights below, you’ll learn a thing or two about where are art comes from…and maybe you’ll be inspired to take up a monologue or two from Seneca or Aristophanes while you’re at it.

Aeschylus (Greek, ca. 525 – ca. 456 BCE)

The father of tragedy, Aeschylus was born in a small town outside of Athens and worked in a vineyard during his youth. One night in a dream, he was visited by a vision of Dionysus (the god of wine, partying, and theatre) and was inspired to begin writing plays. He began writing as soon as he woke, and his first play, a tragedy, was performed in 499 BCE when he was only 26 years old.

Trivia: Aeschylus was killed by blunt force trauma to the head — an eagle has dropped a tortoise on Aeschylus’s head, thinking the head was a rock appropriate for opening the turtle’s shell.

Popular Plays: Prometheus Bound , The Persians, Seven Against Thebes, The Suppliants, Agamemnon, The Libation Bearers, و The Eumenides

Euripides (Greek, ca. 480 – ca. 406 BCE)

Not much is concretely known about Euripides, only that his father wanted him to be an athlete, but Euripides’ passion for playwriting took hold. By the time the writer had died in the solitude of a Macedonian village at the age of 74, he had written at least 92 plays.

Trivia: Euripides featured strong female characters in his plays, so much so that male audience members were often shocked by the words or actions of characters such as Medea or the Trojan women.

Popular Plays: Medea, Hippolytus, Electra, The Trojan Women, و Bacchae

Aristophanes (Greek, ca. 446 – ca. 386 BCE)

Aristophanes, the father of Old Comedy , was famous for calling out political and societal figures for their hypocrisy, extravagance, and misdeeds through satirical plays. Though not much is known about his personal life, we فعل know that he was a comic poet writing for theatrical audiences.

Trivia: Though many artistic renderings of Aristophanes depict him as having a full head of hair, comedic lines in his scripts indicate that he may have been completely bald.

Popular Plays: The Wasps, Lysistrata, The Frogs, Ecclesiazusae, The Clouds, و The Birds

Sophocles (Greek, ca. 406 – ca. 407 BCE)

Sophocles wrote 120 plays over the course of his life, but, unfortunately, only 7 have survived in completion. Sophocles was the most celebrated playwright in the dramatic competitions of Athens for over 50 years. He competed in 30 competitions, won 18 of them, and never earned anything below second place.

Trivia: Sophocles was the first dramatist to introduce a second character onstage (besides the central figure and the chorus). This allowed for more conflict between characters and more dialogue.

Popular Plays: Ajax, Antigone, Oedipus the King, Electra, Oedipus at Colonus, Philoctetes, و The Women of Trachis

Plautus (Roman, ca. 254 – 184 BCE)

Though not much is known about Plautus, we do know that he wrote about 130 plays, with 20 of them having survived. He studied Greek drama in his spare time. Most of his plays were adaptations of Greek plays re-written for Roman audiences.

Trivia: Before he was a playwright, he was stage-carpenter or scene-shifter in his youth, which may have inspired him to become a playwright.

Popular Plays: Amphitryon, Persa, Trinummus, Epidicus, Casina, و Asinaria

Terence (Roman/African, ca. 195 – ca. 159? BCE)

Terence’s life is mainly a mystery, but his influence over Roman drama featured a conversational style of dialogue which was not commonly seen in other Roman or Greek playwrights’ dramas. Terence was brought to Rome from Africa as a slave and was educated in the classics. He was freed by his master, and after writing a number of plays, took a boat to Greece. It is presumed that Terence died at sea, but all six plays he wrote have survived.

Trivia: Because his plays contained clear language, his works were heavily used in monasteries and convents during the Middle Ages and the Renaissance so that Scribes could learn Latin.

Popular Plays: Andria, Hecrya, Heauton Timorumenos, Phormino, Eunchus, و Adelphoe

Seneca (Roman, ca. 4 BC – AD 65)

Also known as Seneca the Younger, this playwright was also a tutor and later advisor to the Roman emperor Nero (who was also kind of crazy). His plays were read widely in Elizabethan England, especially by Shakespeare and his contemporaries.

Trivia: Nero forced Seneca to commit suicide after Nero suspected Seneca of being involved in a plot to assassinate Nero. (A suspicion that was never proved.)

Popular Plays: Thyestes, Hercules Oetaeus, Octavia, Phaedra, Troades ، و Phoenissae


شاهد الفيديو: How to draw Tragedy and Comedy Masks real easy - step by step